La pareja australiana de videoartistas Sonia Leber y David Chesworth , que desde sus inicios en los años 80 se ha servido de la propaganda política de la Unión Sovietica como material de partida, se remonta ahora a la poesía futurista rusa para dar arranque a su última videocreación, 'Zaum Tractor' . Influidos por los poetas Velimir Khlebnikov ('Nosotros y nuestros edificios') o Aleksei Kruchenykh (considerado el padre del Zaum), que se emplearon en experimentos lingüísticos basados en el simbolismo del sonido, el tándem aborda el concepto de libertad y colectividad a través de la arquitectura y de la poesía 'transracional'. Cuestiones sobre el sentido puro o sinsentido, la indeterminación del significado o la creación del mismo mediante sonidos, incluyendo el uso de palabras inventadas, caracterizan a un movimiento avant-garde, que comenzó a fraguarse a comienzos del siglo pasado, y hoy sigue siendo un referente para artistas contemporáneos.
La pieza, una escenificación de la poesía futurista, fue filmada en la antigua sede del periódico The Age en Melbourne (conocida como 'El Spencer soviético'), que pronto será demolida, y a lo largo y ancho del sur de Rusia. Para sus autores: “ los diseños arquitectónicos, los subproductos industriales de comunicación, los espacios contemporáneos destinados a fines sociales, las carreras de tractores, las manifestaciones de fe y patriotismo, o la reproduccion mecánica de las campanas de las iglesias, dan cuenta del fracaso de la destreza industrial, y acentúan dónde falla el progreso : lo humano se convierte en vestigio de una juventud heroica (algo no organizado, sublime y voluntariamente voyeurista)”. Imágenes de archivo y tomas actuales son yuxtapuestas con la intención de reflejar las distintas fases de desarrollo que ha sufrió el país en los últimos cien años.
Junto a edificios inaccesibles, y a modo de performances, los actores entonan sonidos tan extraños como desconcertantes en un intento de imitar el ruido de un tractor. Con este gesto, Leber y Chesworth pretenden “conquistar etapas primitivas del lenguaje centrándose en la onomatopeya” . 'Zaum Tractor', restringida al ámbito museístico, se exhibió en la pasada Bienal de Moscú, y recientemente se ha programado en el Fehily, el Museo de Arte Contemporáneo de Melbourne.
En 'The sleepwalker' , su ópera prima tras la cámara, Mona Fastvold pretendía "narrar una historia acerca de la compleja relación entre hermanas, un vínculo único, de una belleza natural durante la infancia, que se mueve entre el amor, los celos y la competitividad instintiva", tal y como confesaba en una entrevista reciente para Filmmaker la también actriz (su papel más relevante es un rol secundario en 'El amor y otras cosas imposibles' de Don Roos). Fan declarada de Leos Carax, ha contado con Brady Corbet como coguionista para su primer largometraje .
Kaia disfruta de una vida tranquila junto a Andrés, su novio, en la solitaria finca de la década de los veinte que heredó de su difunto padre, una mansión de estilo corbusierano ubicada en una zona rural a las afueras de Massachusetts. Su paz se ve interrumpida cuando, en medio de la noche, aparece por sorpresa su hermana Christine y su marido, Ira. Las fricciones no tardan en surgir entre las dos parejas, especialmente cuando Christine anuncia que está embarazada y comienzan a aflorar algunos secretos del pasado.
La película recibió excelentes reseñas tras su proyección en el Festival de Sundance: la mayoría de los medios ponderaron, c omo virtudes de este psicodrama, su inquietante y ensoñadora dirección artística, su atmósfera enrarecida (subrayando la yuxtaposición entre los afilados ángulos exteriores y la decadencia interior de la casa con idílicos paisajes boscosos) y su estudio de los perfiles psicológicos (nuevamente, una cuestión de contrastres: la furia de Christine, la represión de Kaia, los modales delicados de Ira y el amargo machismo de Andrew) .Gitte Witt, Christopher Abbott, Stephanie Ellis y el propio Corbet encabezan el reparto. La banda sonora la firma el músico noruego Sondre Lerche, marido de la cineasta primeriza. Actualmente, Fastvold reside en París, donde está preparando un nuevo libreto junto al protagonista de 'Simon Killer' ('The Childhood of a Leader', que protagonizará Juliette Binoche).
Aunque transcurra el tiempo, Godzilla , todo un icono del cine japonés desde 'Gojira' (1954), continúa suscitando el interés de cineastas occidentales en forma de remake. Hace dieciséis años, el norteamericano Roland Emmerich sembró el pánico con la aparición del monstruo en territorio neoyorkino, y ahora el británico Gareth Edwards, otrora documentalista cuya incursión en la ficción vino de la mano de 'Monsters' (una road movie existencial con etiqueta de película de monstruos), despliega su destrucción a escala planetaria .
Al igual que en su primer largometraje, el cineasta se enfrenta al reto de abordar la temática de la monster-movie de manera poco convencional y cargada de mensaje político. Pese a que la nueva bestia tiene características propias, Edwards ha encontrado inspiración en los modelos originales de la franquicia. Godzilla renace cuan ave Fénix. Esta espectacular aventura épica enfrenta al monstruo más famoso del mundo con malévolas criaturas que, fortalecidas por la arrogancia científica de la humanidad, amenazan nuestra propia existencia.
Protagonizada por Aaron Johnson, Elizabeth Olsen y Bryan Cranston, la cinta, que se estrenará el 16 de mayo , será distribuida mundialmente por Warner Bros, con excepción de Japón, donde correrá a cargo, como no podía ser de otra manera, de la legendaria Tōhō .
Violencia, lesbianismo y bondage (shibari) copan el nuevo remake de la rediviva novela erótica 'Flower and snake' de Oniroku Dan. Adaptada por primera vez al cine en el 74 por Masaru Konuma (con la presencia de la diva del pinku eiga, Naoni Tani), la pieza literaria, que gracias a su constante inspiración ocupa un lugar especial en la historia del septimo arte nipón, retorna a la gran pantalla, en esta ocasión, a cargo de Hashimoto Hajime , que pretende en 'Flower and snake Zero' “volver al punto de partida de la obra de Dan pero introduciendo algunas novedades”. En la década de los setenta, la cinta original, que acreditó el arranque de la serie pornográfica roman porno, inauguró una tendencia soft-core sadomasoquista cuyos buenos resultados en taquilla consiguieron salvar a su tocada productora Nikkatsu de la bancarrota, que finalmente quebró a principios de los noventa.
Hasta ahora, la historia había girado en torno a una única mujer llamada Shizuko. Sin embargo, Hajime divide el rol principal en tres personajes femeninos: Maiko Amano , Noriko Hamada y Rina Sakuragi . Según su director, “las actrices superaron un casting realmente exigente en cuanto a escenas de sexo extremas” .
Amano interpreta el rol de Misaki Amemiya, una inspectora adjunta de la Oficina de Seguridad de la Comunidad del Departamento de Policía Metropolitana, que queda atrapada en una red mientras investiga un misterioso sitio web donde cuelgan vídeos ilegales llamado 'Babilonia'. De repente, despierta atada y es torturada junto con Shizuko (Hamada), excomponente de la banda ochentera Hashi Yukio y personaje central de la trama, y Ruri (Sakuragi), una ama de casa 'oversexed' con un deseo sexual irrefrenable, que, además, es fan de Shizuko. 'Flower and snake Zero' llegará a la cartelera de japón el 17 de mayo.
A lo largo de su vasta filmografía, a Luc Besson siempre le ha gustado mostrar en acción a imponentes femmes fatales, que pareciendo frágiles, sin embargo, son heroínas violentas y ansiosas de venganza. Desde la policíaca 'Nikita', con la presencia de una mortífera Anne Parillaud, hasta su último trabajo 'Lucy' , un ejercicio sci-fi donde una 'superhumana' Scarlett Johansson asume el rol principal, el francés se ha decantado por personajes femeninos fuertes y valientes. En el cuento de hadas sangriento y de estilo electrizante 'León, el profesional', una primeriza Natalie Portman dio vida a una niña de doce años con deseos oscuros. Como si se tratase de una declaración de intenciones por parte del cineasta, a mitad del metraje suena el bonito tema 'Venus as a boy' de Bjork. En clave de ciencia-ficción, una sintética Milla Jovovich encarnó a LeeLoo en 'El quinto elemento'; dos años más tarde, el galo repitió con la misma actriz en 'Juana de Arco', con un tono más sucio y crudo que anteriores versiones del célebre personaje. También en 'Adèle y el misterio de la momia', el realizador recuperó a la heroína del cómic de Jacques Tardi, que, en esta ocasión, fue animada por la bella actriz Louise Bourgoin, una suerte Indiana Jones parisina y ultra-sexy. Y ahora toca el turno a la omnipresente neoyorkina, que actualmente tiene en cartelera 'Capitán America: El soldado de invierno'
Ambientado en un mundo que está dirigido por la mafia, bandas callejeras, drogadictos y policías corruptos, Lucy (Scarlett Johansson), una mujer que vive en Taipei (Taiwan), es obligada a trabajar como mula para transportar una extravagante droga de diseño. Cuando los estupefacientes entran en contacto con su cuerpo, desarrolla extrañas habilidades como la telequinesis o la clarividencia. Ella puede absorber el conocimiento de forma instantánea, es capaz de mover objetos con su mente y no sentir dolor. Pero a medida que evolucionan sus poderes, desevolucionan sus emociones. Morgan Freeman , Min-sik Choi y Analeigh Tipton completan el reparto de esta cinta de carácter fantástico, que será lanzada en Estados Unidos el 8 de agosto; mientras que en Reino Unido e Irlanda hará lo propio el 22 del mismo mes.
Actualmente en alza gracias a su interpretación en 'Desde Roma con amor', Greta Gerwing emergió con 'Hannah takes the stairs' de Joe Swamberg (producida por Noam Baumbach ) de la escena low-cost de la era digital conocida como mumblecore para explorar territorios vírgenes y convertirse en musa de toda una hornada de cineastas, que influidos por el estilo indie de John Cassavetes empuñaron la filosofía del 'do it yourself'. La californiana, que ya había trabajado con Baumbach en 'Greenberg', vuelve a asumir el papel principal en 'Frances Ha' , además de colaborar en los pormenores del guión. Pese a su participación en proyectos de mayor presupuesto, la actriz, en un nuevo rol hecho a medida, se mantiene en la senda de las producciones de bajo coste y diálogos ágiles, donde los protagonistas representan a toda una generación de jóvenes desorientados como ya expuso la aventajada Dia Sokol en 'Sorry, thanks'.
La cinta, fresca y espontánea pero también profunda, es un viaje a ninguna parte. En un intento de huir de la realidad, la protagonista encarna magníficamente las contradicciones de una mujer insegura, Frances Halladay (Greta Gerwing), que un tanto desgarbada se mueve a su manera por las calles de Nueva York. Es una obra femenina en progreso que no tiene casa y vive con conocidos. Considera que su nombre es excesivamente largo como para entrar en el hueco del buzón que se reserva para el nombre del propietario, así que decide abreviarlo: Frances Ha. Próxima a la treintena, la chica, que es bailarina pero con excaso talento y poco dinero, aún no ha orientado ni su vida profesional ni sentimental. Así que inventa una falsa solidez y fantasea con un futuro laboral que no puede alcanzar. Aunque flirtea con un chico, no se siente especialmente vinculada a él y se escabulle como un gato cuando le propone vivir bajo el mismo techo. Sin embargo, con su amiga Sophie (Mickey Sumner, hija de Sting), que lo es todo para ella, mantiene una especie de relación platónica adolescente no correspondida.
Con ecos de 'Manhattan' y 'Annie Hall' de Woody Allen, el escenario neoyorquino, ese hogar por excelencia de damas de ficción acomodadas (caso clásico de Holly, a la que daba vida una sofisticada Audrey Hepburn que desayunaba con diamantes; o, Hannah, el ejemplo más reciente, la 'girl' ideada por Lena Dunham), arropa a una caótica Gerwing, que domina cada escena de la película. Se muestra encantadora durante una breve mirada que apunta a la intinidad de una mujer heterosexual, que centrada en encontrarse a sí misma pierde la motivación para buscar novio.
Haciendo uso de un blanco y negro quebradizo, el director homenajea a sus principales influencias y retorna al cine indie propuesto por Jim Jarmusch; también rememora a la nouvelle vague y los grises flotantes de François Truffaut , que con música de Georges Delerue refuerza la intención. Al margen del desarrollo narrativo habitual, la cinta se compone de fragmentos, retales de vida e instantes fugaces de su protagonista. A partir de pequeños momentos y detalles, se ilustran las mentiras piadosas que sustentan el mundo ilusorio de la chica. El último film del creador de 'Margot y la boda' es una comedia sutil (la carcajada no es su objetivo) que reflexiona sobre la confusión que provoca la madurez, la ineludible posibilidad de cometer errores y los sinsabores del autoengaño. Además, plantea las contradicciones y los avatares de las relaciones humanas (tópico por excelencia de todo el movimiento mumblecore).
'El desconocido del largo' de Alain Guiraudie llega hoy a las salas españolas . Desde su premiere mundial, la película no ha dejado de cosechar trofeos: mejor director de la sección Un Certain Regard del Festival de Cannes, el César al mejor actor revelación (para Pierre Deladonchamps) o el Giraldillo de Oro en la gran cita que el cine europeo tiene en Sevilla. También, por supuesto, ha recibido los laureles de la crítica especializada, caso de un top10 en la lista anual de Cahiers du Cinema, que lideró por delante de los últimos trabajos de cineastas como Alfonso Cuarón, Jia Zhangke y Abdellatif Kechiche.
Su estreno en salas galas no estuvo exento de polémica. Los municipios de Versalles y Saint-Cloud, en las inmediaciones de París, retiraron de sus calles los carteles promocionales de la cinta, una pintura fauvista de Tom de Pékin que muestra en primer plano a dos hombres besándose . La controversia alcanzó la esfera política y la ministra de Cultura, Aurélie Filippetti, consideró esa decisión "un acto de censura que atenta contra la libertad de comunicación y de expresión".
Verano. Un lugar para ligar exclusivo para hombres oculto a orillas de un lago. Franck se enamora de Michel, un hombre atractivo, fuerte aunque mortalmente peligroso. Franck sabe todo esto pero aún así desea vivir esta pasión de todos modos.
Tal y como lo describe Karma Films, su distribuidora española, 'El desconocido del lago' es " un thriller de corte erótico ambientado en una playa nudista a orillas de un idílico lago frecuentado por hombres en busca de encuentros amistosos y amorosos con otros hombres. El protagonista, Franck, conoce a Henri con el que inicia una relación de amistad muy profunda, a la vez que se enamora de Michel, un hombre atractivo y musculoso con el que comienza a tener fugaces encuentros sexuales. Franck sabe que no le conviene acercarse a Michel pero la pasión descontrolada que siente hace que siga viéndose con él a pesar de saber que es un hombre muy peligroso. Sexo y crimen se funden con las brillantes interpretaciones de sus actores protagonistas, los inesperados giros de guión y las escenas claramente explícitas de los encuentros amorosos entre los amantes, filmados con absoluta naturalidad ".
Guiraudie reconoce que la fotografías de algunos títulos asiáticos ('The ditch' de Wang Bing o 'Uncle Boonmee' de Apichatpong Weerasethakul) inspiraron la iluminación natural y las texturas del film. Pierre Deladonchamps, Christophe Paou y Patrick d´Assumçao encabezan el reparto del cuarto largometraje del director francés, el primero en cuatro años desde que estrenase 'Le roi de l'évasion', galardonado en Gijón con el Premio Especial del Jurado.
The Prodigy será el tercer y último cabeza de cartel del Bilbao BBK Live 2014. La formación británica compartirá protagonismo con The Black Keys y Franz Ferdinand en la parte alta de la programación. La banda de Liam Howlett, surgida en 1990 en Braintree, Essex (Inglaterra), ha vendido más de 25 millones de discos en todo el mundo y ha sido premiada en los certámenes más importantes de Estados Unidos y Europa. The Prodigy fueron pioneros a finales de los 90 dentro del subgénero de la electrónica que se dio a conocer como ‘Big Beat’. Su música, pura energía, combina diversos estilos que van desde el rave, hardcore techno, industrial, breakbeat, metal industrial y las influencias y actitud punk.
Dawes es un cuarteto de folk-rock de Los Angeles, California. Cuentan con tres discos de estudio publicados, el último de ellos se llama ‘Stories Don’t End’. Además, Dawes harán doblete sobre el escenario en el Bilbao BBK Live, ya que, además de ofrecer un concierto con su propio repertorio, harán las veces de banda de acompañamiento de Conor Oberst. Por otro lado, si hay un grupo nuevo que lleva meses dando que hablar en la prensa especializada de ambos lados del Atlántico, ese es Skaters . Un cuarteto de rock que refleja mejor que nadie el impulso urbano y el espíritu de cultura popular jóven de Nueva York y por extensión de cualquier urbe del mundo occidental. Su álbum debut se llama ‘Manhattan’. También desde Nueva York, en este caso desde Brooklyn, llega el cuarteto de post punk Parquet Courts , con su recomendable último trabajo, ‘Tally All the Things That You Broke’, bajo el brazo. Completa el listado de novedades el quinteto vizcaíno Eskean Kristö , formación ganadora de la quinta edición del concurso Banden Lehia.
Con un spot publicitario inspirado en la estética de 'Dogville', pero adaptando su trama a la esencia sevillana, el Festival de Cine Europeo de Sevilla (SEFF), que se celebra del 7 al 15 de noviembre, fusiona en su primera cabecera el cine experimental con la Feria de Abril. Esta cita ineludible para los amantes del cine de autor comienza su promoción con una revisión cañí de la pieza de Lars von Trier interpretada por Antonio Dechent, que, atrapado en una caseta, termina bailando sevillanas con una flamenca imaginaria. Además del toque de humor aportado, el SEFF ya cuenta con sus primeras confirmaciones: Roy Andersson, Asia Argento, Ester Martin Bergsmark, Bertrand Bonello, Mike Leigh o Pedro Costa estrenarán sus últimas producciones en el certamen andaluz.
El 'burlesque metafísico' de Roy Andersson , encarnado en esta ocasión en 'A pigeon sat on a branch reflecting on existence' , concurrirá en Sección Oficial del festival hispalense. El último trabajo del sueco, premiado con el León de Oro en Venecia, recoge el testigo de anteriores largometrajes como 'Canciones desde el segundo piso' y 'La comedia de la vida' para cerrar una trilogía que pretende “dar coherencia a lo que significa ser humano”. Fustigado por cuestiones existencialistas, el realizador, en la búsqueda de la invención del 'trivialismo', construye un lenguaje cinematográfico propio con la intención de alejarse de la norma. El énfasis en la cotidianidad y los problemas existenciales que acucian a todo ser humano cimientan un estilo personal caracterizado por una enrarecida estética anderssoniana, una rígida caricaturización de la sociedad sueca o cierta 'alegría lúgubre' . El quinto largometraje del cineasta, que vuelve a tratar asuntos universales, está teñido de un singular humor negro y resulta en ocasiones punzante, otras melancólico. Tan atrevido como seductor, el de Gotemburgo opina que “la vida es una comedia, aunque la vivimos como una tragedia”.
La efervescencia visual del galo Bertrand Bonello ('Casa de la Tolerancia', 'El pornógrafo') también competirá por el Giraldillo de Oro con 'Saint Laurent' , que celebra el arte extravagante del modista francés y explora en la figura del heredero de Dior. Con una lujosa dirección artística y referencias proustianas, este biopic, que es una hermosa evocación del impulso creativo del artista, se detiene en los episodios más oscuros: la neurosis, los delirios o las inseguridades de Yves Saint Laurent . La cinta se centra en la década más productiva del autor, cuando fue elevado al olimpo de los dioses gracias a su 'Mondrian dress', entre otras 'prendas'. Con un reparto que cuenta con la presencia de Gaspard Ulliel, Valeria Bruni, Léa Seydoux o Louis Garrel, el nizardo apuesta por cierta experimentación narrativa, creando atmósferas oníricas y sorprendentes.
Otro film biográfico que concursará en la Sección Oficial es 'Mr. Turner' , del británico Mike Leigh , que dedica su último trabajo a un autor considerado como un prefacio romántico del impresionismo. Su actor fetiche, Timothy Spall, que recibió el premio al mejor actor en Cannes, da vida al paisajista inglés, que expresó la idea de lo 'sublime' desarrollada durante el Romanticismo . “Un retrato inmensamente bello y exquisitamente detallado del artista, cuyo brillo con el pincel eclipsa, a veces, su espantosa falta de gracia social”, asegura Variety.
Después de dos lustros sin ocupar la silla de directora, Asia Argento ('Scarlet Diva', 'El corazón es mentiroso'), la 'femme terrible' del cine italiano con vocación internacional, vuelve con 'Incompresa' (exhibida en Una Cierta Mirada), un trabajo de transición con tintes autobiográficos donde el espíritu punk de sus antecesoras convive con el humor negro y los amores preadolescentes . Con un score explosivo, en el que ha participado la propia artista, también DJ, junto a su amigo Brian Molko de Placebo, el tercer film de la cineasta sorprendió a propios y extraños en el pasado Festival de Cannes. Charlotte Gainsbourg y Gabriel Garko, al ritmo del post-punk ochentero de Il Y A Volkswagens ('Kill Myself'), son los encargados de interpretar a un matrimonio con conflictos irresolubles en la última pieza de culto de Argento.
También desfilará por la sección competitiva del certamen 'Cavalo dinheiro' (premio al mejor director en el Festival de Locarno), del realizador portugués Pedro Costa , que establece un pasadizo entre la Revolución de los Claveles y la actualidad. Pesadillesca y oscura, que bien podría definirse como “pictórica”, la última obra del luso transmite la sensación de estar sucediendo en un limbo . Aquí, el barrio ha desaparecido y lo único que queda son sobrevivientes, Costa recupera la figura central del caboverdiano Ventura ('Juventud en marcha'), que, cada vez más anciano, tembloroso y enfermo, no sabe si vive en el presente o sueña con el pasado.
Dentro de la rúbrica de Nuevas Olas, donde se muestran las piezas más vanguardiastas de la cinematografía europea, tendrá un lugar especial 'Something Must Break' (galardonada con un Tiger en el Festival de Rotterdam), de Ester Martin Bergsmark . La primera incursión de la sueca en la ficción destila el mismo espíritu inconformista de Joy Division, sin olvidar que el título de la película lo tomó de una canción del grupo inglés. Con guión de Eli Leven, basado en las experiencias autobiográficas que ha descrito en sus novelas, la nórdica plantea una investigación intensa sobre el amor y la sexualidad en el siglo XXI . Este romance transgresor, que explora cuestiones de género con refrescante candor, es una historia tórrida protagonizada por un veinteañero transexual, cuyo alter ego femenino lo precipita a la deriva, y su novi@ punk, que, en ocasiones, se pierde entre neblinas de droga a causa del malestar que le produce su ambigüedad sexual.
El poeta de lo inverosímil, Jonathan Glazer ('Sexy Beast', 'Birth'), vuelve a la palestra, no exento de polémica, con 'Under the skin' , un cuento onírico y sensual que se exhibió en el pasado Festival de Venecia, donde recibió aplausos y abucheos a partes iguales; y sin embargo, el Festival de Sitges lo acoge con magníficas críticas. El tercer largometraje del cineasta se inspira en la ciencia ficción especulativa de Michel Faber, que, incrementando la ambición abstracta del escritor, empuja al espectador a realizar lecturas fuera de marco/pantalla. Creando experiencias sensoriales violentas, Glazer juega con el sonido y la imagen para dar cuenta de un misterioso erotismo siniestro, en el que la seducción visual y auditiva se traducen como el poder inconsciente de la pulsión de muerte . Una inexpresiva y discreta Scarlett Johansson, que encarna un rol explosivo de antiheroína alienígena, despliega, en su primer desnudo íntegro, los encantos de otro mundo. Cuan 'mantis religiosa', su interés por los hombres es meramente culinario y, simplemente, los utiliza para abastecer a un mercado interplanetario de carne humana. La cinta, con dejes gigerianos, es un viaje alegórico: sublime, hermoso, triste y fascinante, que transmite lo que significa ser humano.
Si en la novela del autor escocés (de adopción), la chica de “pechos enormes y perfectos” es bautizada con el nombre de Isserley (una forma extraña en el cuerpo de una mujer bella), el realizador y guionista londinense prefiere llamarla Laura. Aunque libre de las cicatrices de su predecesora literaria, padece los mismos síntomas: malestar físico, vacío existencial y desarraigo del amor en la cultura pop (como diría Ryu Murakami). A través del extrañamiento de un cuerpo que no le pertenece, se precipita hacia un abismo boscoso que oscila entre la fantasía y la realidad, una peregrinación a ninguna parte que resulta tan sugestiva como las elipsis de la historia . En principio, totalmente distante con respecto a sus víctimas, parece despertar cuando seduce a los hombres jóvenes y fuertes que suben a su furgoneta; sin embargo, según avanza la trama y comienza a sentir empatía por una especie que no es la suya, se repliega en un estado cuasi catatónico para convertirse en una criatura vulnerable y frágil.
Mediante el aderezo audiovisual (como ya hizo Kubrick), Glazer, frente a Faber, apuesta por las sutilezas y las metáforas. Ahora no hay tiempo para los autoestopistas, sino que serán los transeúntes las presas de esta 'depredadora sexual'. Elegidos de manera aleatoria, los varones musculosos son arrastrados, con ímpetu desesperante, hacia la nada al compás de una danza macabra. En la novela los hombres que captura Isserley en las Tierras Altas de Escocia son alterados químicamente, además de castrados, antes de convertirse en sabrosos 'voddssin': comida, de primera, para el disfrute de extraterrestres un tanto snobs. Pese a las diferencias, el film, al igual que la obra literaria, pone de relieve que la ciencia ficción puede funcionar como sátira social. De esta manera, Glazer, que entiende el cine como arte y no como mero entretenimiento, continúa la senda marcada para reflexionar sobre las clases sociales, la humanidad y, sobre todo, la identidad sexual .
A partir de un inesperado giro hacia la compasión, que comienza con el encuentro de una suerte de 'hombre elefante', empieza a sentirse cada vez más humana y aterrorizada como mujer. Ahora el espectador se pregunta qué oculta Laura bajo la piel. Cada vez menos 'femme fatale', se acentúan los rasgos de puerilidad en su comprensión sobre los terrestres (ya que esta alien sexy desconoce el sexo más de lo que nos había dado a entender en un primer momento). En su iniciación sexual aflora el desencanto para, posteriormente, sufrir la degradación total. Atrás queda el peligroso coqueteo intergaláctico comandado por Laura.
El inquietante score, cortesía de Mica Levi, incrementa con creces el desconcierto y el terror más visceral, que, a base de sonidos procesados digitalmente, retumba como cuernos de guerra y rugidos amenazantes en concordancia con el tono de ensoñación del film . En manos de otro director, todo se habría derrumbado en pedazos, pero el artífice de videoclips (Massive Attack, Radiohead o Blur) maneja a la perfección, con toque indie, temas como la cosificación, la sexualidad o la muerte. En cuanto a la intencionalidad moral, 'Under the skin' encaja como un guante con una corriente literaria contemporánea que se preocupa por las relaciones entre los humanos y los animales, caso 'La vida de los animales' de JM Coetzee, 'Marranadas' ('Pig tales: a novel of lust and transformation') de Marie Darrieussecq, e incluso, 'Liberación animal' de Peter Singer.
Los encuadres impecables, el ascetismo fílmico o la belleza inusual y misteriosa que se conjuran en la filmografía austriaca gozarán de gran protagonismo en el Festival de Cine Europeo de Sevilla , que se celebra del 7 al 14 de noviembre . Los líderes del 'renacimiento' del cine austriaco, Michael Haneke y Ulrich Seidl, que se acercan de manera crítica a la imagen burguesa y a sus tabúes históricos, son los referentes que marcan la filosofía de esta undécima edición del concurso andaluz. El cine austriaco ha encontrado un nexo con el panorama internacional gracias al éxito de una generación muy joven, fundamentalmente de directoras, que analiza la cultura pop contemporánea y se detienen en la psicología de sus protagonistas, caso de Jessica Hausner (que concurre en la sección oficial con 'Amour fou') o la novel Veronika Franz ('Goodnight mommy', codirigida junto a Severin Fiala), que también participa en la sección Focus Europa del certamen hispalense. Además, el SEFF se propone mostrar, a lo largo de sus diferentes categorías, los distintos géneros del cine 'made in Austria': el film artístico, el documental, el cortometraje y el cine experimental.
La vida trágica del poeta maldito del romanticismo alemán, Heinrich von Kleist, es recreada por Jessica Hausner , que esboza en 'Amour fou' la culminación del deseo de muerte del autor. Alejada de los clichés del cine histórico, la directora pretende dar vida a la etapa final del escritor y a su sonado suicidio, así como al disparo, consentido, que propinó a su amante, Henriette Vogel, antes de quitarse la vida. La cinta que se proyectó en el pasado Festival de Cannes en Un Certain Regard, y ahora compite en la sección oficial del SEFF, busca inspiración en el estilo visual de Johannes Vermeer; ya que mediante la composición y el uso de tonos amarillos y rojos, la realizadora transcribe una inmovilidad perfectamente sofocante y la apatía de la burguesía decimonónica encerrada en sus principios rígidos y glaciaciones emocionales. El último trabajo de la artífice de 'Lourdes', es un ensayo inquietantemente divertido que irrumpe cuando menos como una historia de locos, de amores prohibidos y de la capacidad humana para autoengañarse, incluso a la hora de perseguir los ideales más altos. Considerado como uno de los principales dramaturgos del llamado Romanticismo alemán, el ideólogo de 'La Marquesa de O' (adaptada al cine por Éric Rohmer) persiguió incesantemente en su corpus literario el ideal de lo Absoluto, en el que cobra relevancia la asociación del vértigo amoroso con la propia muerte. Su caótica existencia, una mezcolanza de pasión y una extrema decepción, que es tan trágica como la mayor parte de sus propios textos, es cuestionada por Hausner, especialmente la resolución de su romance, que dibuja a Kleist como un monstruo frío y siniestro, carente de pasión.
La burguesía austriaca también es radiografiada por Ulrich Seidl , un viejo conocido del certamen andaluz. Los extraños mundos del cineasta, poblados por actores no profesionales, y su inclinación por la docu-ficción de cierto gusto realista, donde se encuentra lo bizarro con lo grotesco, vuelven a citarse en 'In the basement' , que se proyectará en la sección Focus Europa. El realizador de la trilogía 'Paraíso', que se define como un 'pornógrafo social', retoma en su último proyecto los aspectos más sórdidos y tétricos que copan su cine, caso de 'Canícula' o 'Import/Export', para fijarse en los sótanos de las casas de su país natal: testigos de sucesos macabros que han conmocionado a la opinión pública y han tambaleado la imagen internacional de Austria, valga como ejemplo las monstruosas felonías perpetradas por Josef Fritzl y Wolfgang Priklopil, cuyos crímenes, aunque no están relacionados, son comparables (puesto que confinaron durante años a mujeres jóvenes en el subsuelo de sus viviendas). Con el fin de entender el horror como un posible síntoma de malestar nacional, el cineasta, después de mostrar las fachadas discretas que se ocultan tras los setos, desciende con su cámara a un terreno freudiano en el que emerge los aspectos más depravados del ser humano. Desde una mirada curiosamente austera, los personajes de Seidl comparten afinidades excéntricas por el interiorismo: uno de los protagonistas, dedica la decoración de su bodega a una galería de arte dirigida a un sinfín de recuerdos nazis; otro, prefiere los recuerdos africanos y trofeos macabros ungidos a la taxidermia. Y algunos usan su espacio subterráneo para la liberación sexual: una joven que ha dejado su trabajo como cajera de supermercado para convertirse en prostituta; una antigua víctima de la violencia de género que ha encontrado resistencia en el sadomasoquismo controlado; o un matrimonio cuya relación se basa en una estructura extrema de amante-esclavo.
Continuando con la agudeza psicológica, el sentido arquitectónico del espacio y el 'horror borderline', el dúo Severin Fiala y Veronika Franz (compañera sentimental y guionista colaboradora de Ulrich Seidl), debutan en pareja con el terror de 'Goodnight mommy' , que evoca tanto los planteamientos formales como la austeridad de 'Funny Gamme' de Michael Haneke. Con silencios desconcertantes, cada vez más aterradores, el tándem firma un inquietante retrato sobre las crisis familiares. La sinopsis reza así: “Dos hermanos gemelos esperan la llegada de su madre que se ha sometido a una operación de cirugía estética; cuando ésta regresa a casa, cada vez más fría y distante, los chicos comienzan a dudar si esa mujer es realmente su progenitora”. Los bosques exuberantes y los campos de maíz contrastan de manera incongruente con escenarios escalofriantes confinados entre las paredes de una casa familiar que se asemeja a una tumba monumental. La atmósfera rígida del hogar y los escuetos diálogos son lo que mantiene la tensión de la primera parte del filme, donde parece no suceder mucho, pero en realidad se está fraguando la tragedia.
Desde diferentes ópticas, los nuevos lenguajes cinematográficos y referentes consagrados del séptimo arte completan el ciclo Focus Europa, que durante esta edición apuesta en exclusiva por el cine austriaco. De este modo, también se proyectarán 'Whore’s Glory' ( Michael Glawogger , 2011), un documental premiado en Venecia que se adentra en los entresijos de la prostitución femenina en tres puntos distintos del planeta : Tailandia, Bangladesh y México; 'What is love' ( Ruth Mader , 2012), de estilo híbrido, que combina la ficción con el documental, se centra, a través de cinco minipiezas que ponen el punto de mira en tres parejas, en la rutina del 'amor sacro' y en su consabida conducta robótica; 'FILM IST. a girl & a gun' ( Gustav Deutsch , 2009), uno de los trabajos más célebres del director de 'Shirley; visions of reality', que en esta ocasión complica la célebre frase de Godard: “Para hacer una película, todo lo que necesitas es una chica y una pistola”, pero, cuan Frankenstein fílmico, revisa esta idea a través del found footage . Durante cuatro años, este continuador de una tradición experimental que se mantiene viva desde los años 50, rastreó medio mundo en busca de películas antiguas para construir este cautivador relato a partir de material encontrado que dio vida a las primeras décadas de la cinematografía.
Explorando nuevas direcciones en la reelaboración del found footage, el vienés Martin Arnold (psicólogo e historiador de arte), representante de las generaciones de artistas que marcan la transición entre el cine experimental y el videoarte, dirige esta tendencia a esquemas y ciclos obsesivos, conocidos como 'compulsiones repetitivas' . Mediante el uso de manipulaciones ópticas y auditivas, y con mucho humor, transforma viejas películas de Hollywood en piezas pesadillescas, singulares e hilarantes. El SEFF exhibirá una buena selección de sus cortometrajes en una sesión especial, donde el director explicará cada una de sus piezas y mantendrá un encuentro con el público. 'Pièce touchée' (1989), 'Passage à l’acte' (1993), 'Alone. Life wastes and hardy' (1998), 'Deanimated' (installation, 2002), 'Shadow cuts' (2010), 'Soft palate' (2010), 'Self control' (2011) y 'Haunted house' (2011) se cuentan entre los títulos programados, que, además, se complementarán con una exposición dedicada al videoartista en el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo (CAAC), desde el 6 al 30 de noviembre .
“La omnipotencia del amor nunca se manifiesta más que en sus desvaríos, inscritos en las perversiones y en sus espantosos resultados”, mantenía Freud, no sin preocupación, en una nota añadida a posteriori en 'Tres ensayos sobre teoría sexual'. Con el mismo espíritu y bajo el título 'Variaciones sobre el montaje de una menor articulada', Hans Bellmer publicó en la revista Minotauro un compendio de fotografías de su célebre escultura 'Poupée', a la que insufló vida imponiéndole toda clase de metamorfosis. Adoptando poses eróticas, dramáticas o sadomasoquistas, la muñeca de Bellmer, que surgió a causa de su interés por el psicoanálisis, conquistó a los surrealistas y ofendió a los nazis, que la catalogaron como 'arte degenerado' o 'judeo-bolchevique'. La obra, que es una mezcla compleja y contradictoria de influjos, es un objeto sensual y violento, también una denuncia de los cánones de moda en la Alemania hitleriana. Sexualidad, erotismo y muerte coexisten en el mismo cuerpo inerte. Décadas después de irrumpir la 'Poupée' en el panorama artístico, es Japón quien recoge el testigo, donde toda una legión de creadores ha seguido el camino trazado por el artista polaco para expresar sus obsesiones, bien sea la búsqueda de belleza, la fragilidad, la inocencia o, tal vez, oscuros deseos.
Como no podía ser de otro modo, la fabricación de muñecas, con fines artísticos, no ha pasado por alto en el país asiático, aunque en muchas ocasiones sea para hacer las delicias de los más fetichistas (y ¿'desviados'?), caso de las hiperrealistas 'esposas holandesas' (fabricadas con silicona de alta calidad). No obstante, la gama es amplia. Tanto es así que un buen puñado de creadores contemporáneos nipones ha sucumbido a estos simulacros articulados y sexuados . Cuando Pigmalión soñó con Galatea, las fantasías de romances con 'autómatas' comenzaron a despertar la inspiración de artistas. De encuentros con seres inanimados y de agalmatofilia ha dado buena la factoría Orient Industry, con sus 'mujeres inmóviles' y su mercado parafílico . En el thriller pink y bizarro 'Guitly of romance', Sion Sono invocaba la insigne obra de Bellmer para ilustrar un macabro asesinato: un cadáver brutalmente mutilado y reconstruido como si se tratase de un maniquí.
De muñecas sexys a la temática noir. Con un estilo surrealista y siniestro, que se desmarca de la mayoría de las 'dollmaker', cada vez más populares en Japón, las esculturas de Tari Nakagawa son de belleza cautivadora; aunque también rebosan una profunda melancolía, de mirada perdida y llena de tristeza. Son cadáveres en plena descomposición, que dejan al desnudo la caja torácica; y sus cuerpos decadentes, cuyos miembros aparecen amputados, parecen haber sido destruidos por algún tipo de erotismo corrupto . “Esta combinación de eros, pathos e inocencia tiene como fuente de inspiración las fotografías funerarias de la época victoriana”, expone el autor en su nuevo libro 'La costilla de Eva', en el que revive los retratos conmemorativos postmortem del siglo XIX. Al igual que las 'princesas' de Amano Katan, que además habitan en estilizados cuentos de hadas y conjugan lo bello con lo grotesco, las muñecas de Nakagawa poseen la misma inocencia infantil e influencias góticas de las 'Katan doll' .
Ryo Yoshida, Koitsukihime o Akiyama Mahoko, también, son algunos de los nombres que, influidos por 'Los cuentos de Hoffmann', brillan con luz propia en la confección de una imaginería que no se reduce la escultura (al igual que las muñecas perturbadoras de Nawagawa y Katan), sino que entran en juego otras disciplinas, tales como la fotografía o el diseño artístico. 'Prêt-à-porter' para conquistar al mundo. De hecho, Katan ha ilustrado, con sus 'relatos pesadillescos', algún que otro disco de John Zorn.
El SEFF apuesta un año más por el equilibrio entre nombres consagrados de la cinematografía europea y las nuevas voces, producciones independientes y pioneras. A lo largo de nueve días de exhibiciones fílmicas, 17 piezas lucharán por el Giraldillo de Oro en el Festival de Cine Europeo de Sevilla, que dará hoy el pistoletazo de salida con una producción estatal, 'La ignorancia de la sangre' (fuera de competición). Ruben Östlund, Eugène Green, Andrey Zvyagintsev e, incluso, Alain Resnais con su obra póstuma, son algunos de los nombres que componen el programa a concurso en sección oficial. Dibujando el mapa underground del panorama europeo, también en competición, Nuevas Olas, que dirige su objetivo a miradas singulares del arte contemporáneo: Oksana Bychkova o Veiko Ounpuu, que apuntan a convertirse en imprescindibles del cine actual, definen una categoría que presenta los trabajos más jóvenes y refrescantes del continente.
Figura esencial de la nouvelle vague y revolucionario del concepto de montaje, el legendario Alain Resnais ('Hiroshima mon amour'), fallecido a principios de año, concurre con su comedia existencial 'Aimer, boire et chanter', premiada con el Oso de Plata en la Berlinale, donde recibió excelentes reseñas, además de ostentar "un bonito título para celebrar la memoria de uno de los cineastas más innovadores de su tiempo: amar, beber y cantar". Con reminiscencias de 'Fumadores/no fumadores' o 'Coeurs' ('Asuntos privados en lugares públicos') en cuanto a su estilo abiertamente teatral, que abarca desde la composición hasta la interpretación, y basada en la obra literaria del dramaturgo inglés Alan Ayckbourn, la cinta póstuma del galo, de toque surrealista, revela las frustraciones y miserias de tres matrimonios, previamente enmascaradas por el hábito y la rutina, que se precipitan hacia el caos cuando reciben la noticia de la inminente desaparición de un amigo que sufre una enfermedad incurable. Flanqueados por escenarios irreales y multicolores, y en plena campiña de Yorkshire, sus protagonistas degustarán los últimos sorbos del amor en un homenaje a la vida. El cine como puro teatro.
Experto en las luces y sombras del barroco y defensor de la artificialidad en el cine, Eugène Green ('La monja portuguesa') toma el nombre de la Iglesia romana Sant'Ivo alla Sapienza para titular su último trabajo 'La Sapienza', un drama teatral que yuxtapone espacio y luz, y se centra en los fantasmas del pasado y en el amor presente. Un exitoso arquitecto suizo, Alexandre, con falta de creatividad que, un tanto asqueado de la vida, decide emprender un viaje por Italia con su esposa, en búsqueda de una renovación espiritual y artística. Tras la pista de Borromini, maestro de la arquitectura barroca, el protagonista se embarca en una suerte de 'Viaggio' a la Ozu, con reminiscencias rossellinianas. En la idílica Stresa conocen a dos hermanos adolescentes: Lavinia, que cae bajo la protección de la mujer, y Goffredo, que se convierte en discípulo improvisado de Alexandre. Un torrente de luz cambia, así, el curso de las cosas. El realizador proporciona a los espectadores acceso directo a los pensamientos y las emociones de los personajes.
Imágenes extraordinarias y simetrías bañadas de vodka de la mano de Andrey Zvyagintsev, que concurre con una cinta estrictamente metafórica y homónima que se apoya en la obra 'Leviatán' de Hobbes para hacer referencia a la bestia bíblica, en este caso encarnada en el todopoderoso Gobierno ruso. Rememorando la metafísica de Tarkovski, el realizador báltico firma un drama sombrío de inquebrantable ambición, que se mueve con lentitud deliberada y convincente sobre la corrupción y la intimidación en la Rusia contemporánea. Un alcalde corrupto quiere arrebatarle a Kolia los terrenos de su casa y taller, donde vive con su segunda mujer y su hijo. En su ayuda acudirá un amigo, abogado de la capital, que tiene pruebas suficientes para empapelar al gobernador local. Sólo que Kolia tiene todas las de perder, puesto que le saldrán enemigos de hasta debajo las piedras. Los asuntos candentes de Rusia tales como religión, política, pistolas o alcohol, al desnudo en un pueblo a orillas del mar.
'Turist', el tercer largometraje de Ruben Östlund, que se alzó con el Premio del Jurado en Un Certaind Regard, concurrirá por el galardón en el certamen andaluz. El realizador sueco, como ya ejemplificó en sus filmes anteriores 'Play' e 'Involuntary', no pierde la afición por mostrar a sus personajes en situaciones límite, caldo de cultivo para que aflore el lado más inesperado del ser humano. Ahora, examina las trascendentales consecuencias emocionales de una familia, que se ve sorprendida por una avalancha en los Alpes. Cómo sus protagonistas se mueven por instinto, prefiriendo poner su propia piel a salvo en lugar de velar por sus allegados, es una de las cuestiones más provocativas en las que se detiene el director. La cinta, que cuenta con un elenco mixto sueco-noruego (Johannes Kuhnke, Lisa Loven Kongsli y Clara Wettergren), pone al descubierto la cobardía de un padre ante un inminente alud de nieve.
Nuevas Olas Ficción.
Comparada con 'Blue Valentine', Oksana Bychkova rastrea en 'Another Year', un drama sentimental, el deterioro de una pareja de recién casados, que apuesta por caminos mutuamente excluyentes. El último trabajo de la directora ucraniana, que bordea el arte y ensayo, está basado en una pieza teatral de Alexander Volodin. Puede ocurrir que un día uno se despierte, mire a su alrededor, y se pregunte cómo ha llegado donde está, y si no está acaso viviendo la vida de otro. La cinta, de estética indie y empuje emocional, pone el punto de mira en el conflicto interior de la protagonista: por un lado, abraza un nuevo mundo que valora su trabajo creativo; y por otro, es incapaz de abandonar por completo a su primer amor. El amor inmaduro o el momento en el que los sentimientos se convierten en inevitable reiteración, aunque sea en contra de la voluntad de los amantes, son algunos de los temas por los que apuesta la cineasta.
Estética lo-fi, tonalidades nostálgicas y pistas musicales evocadoras para 'Free Range' de Veiko Ounpuu, que firma una comedia en tono irónico sobre el "fastidioso malditismo hipster que nos asola". Fred, que representa la contradicción de los movimientos contraculturales dentro de una sociedad capitalista, es un joven escritor en ciernes que tras perder su trabajo a causa de una funesta reseña de 'El árbol de la vida', y enterarse de que su novia está embarazada, empieza a dar tragicómicos bandazos de inconformismo escapista. Pero nada, nunca, le va bien. Filmado en 16 mm, con luz otoñal, y una banda sonora con Scott Walker o Cat Stevens a la cabeza, que suena a tocadiscos vintage, el realizador estonio recrea en su tercer trabajo una imagen melancólica de la juventud. No faltan observadores culturales sobre las naciones post-soviéticas: la erosión de la identidad nacional, o el desaliento causado por los apetitos insostenibles de la globalización.
Recuperar ésta, una de las obras cumbres de la filmografía de su autor, es una celebración del giallo italiano y su quintaesencia, pues pocos ejemplos hay más definidores de lo que fue aquel cine nunca tan ilustre desde las catacumbas, nunca tan perturbador y poco valorado hasta su rescate como parte desatendida del universo del culto cinematográfico. Hija de su época, de su autor y de sus coordenadas, "Rojo Oscuro" es concebida en uno de los relevos cinematográficos más celebrados, el de un conjunto de inquietudes e inspiraciones que maestros como Mario Bava o Ricardo Freda transmitieran a uno de sus discípulos más aventajados, Dario Argento.
"Rojo Oscuro" define los trazos estéticos y narrativos a seguir en su filmografía y en especial configuradores de una de las obras maestras de Argento, "Suspiria" (1977), la cuál inauguraría, a su vez, un nuevo sendero a seguir por el género en su versión fantástica. La que aquí nos ocupa parte de un relato eminentemente pulp, eminentemente sensacionalista y de naturaleza excesiva que se desenvuelve bajo unas premisas de estilo que parten de la experimentación y lo inusual, de una cámara que adopta el punto de vistas subjetivo del asesino para ser una de las precoces antecesoras de lo prescrito por John Carpenter en "La noche de Halloween" ("Halloween", 1978). La identidad del asesino es, por supuesto, el eje en torno al que gira la narración de Argento, adornada con toda clase de improbables personajes secundarios y un héroe de lo más inusual, un pianista (David Hemmings) que parece ex profeso configurado para dar sentido a la más brillante escena de la película: aquella en la que recibe la visita del asesino en su apartamento y debe guardar la calma manteniendo la melodía en su piano. A través de todos ellos, Argento corrobora las premisas del género eficazmente, haciendo de "Rojo Oscuro" una fascinante y amarilla historia de asesinatos que comete su única transgresión en el momento de destapar la identidad del asesino (y hasta aquí puedo leer).
Ya en su magnífico debut "El pájaro de las plumas de cristal" ("L'Uccello dalle piume di cristallo", 1970), Dario Argento había demostrado brillantes aptitudes para el género, las cuáles toman más forma si caben en "Rojo Oscuro", quizás menos sobria y más excesiva que aquella, pero pura pasta del giallo más influyente que marcaría profundamente los rasgos de los cines de autores venideros. La película se permite un jugueteo narrativo, un liviano engaño que abre y cierra la narración de manera circular y que le permite una pequeña genialidad del bueno de Argento. Las mejores novelas de Agatha Christie no estaban tan lejos de los libretos pulp en los que se fundamentaba el giallo italiano, y tampoco lo estaba la fascinación que sus protagonistas sentían por el crimen, el cuál acaba siendo, no accidentalmente, el nexo de unión e identificación del espectador con ese pianista que rastrea y descubre cada crimen antes que las casi siempre ausente autoridad local. En un acto de divertimento pero también de expreso conocimiento de los resortes del género, Argento contesta a las preguntas más obvias con las respuestas que delatan su obviedad donde otros las dejarían sin contestar. Así, en un momento dado y ante la pregunta del pianista de "¿Qué ha sido eso?" su amigo le responde "Un grito, diría yo".
También es precedente "Rojo Oscuro" en el uso de su música, los servicios del grupo de rock gótico italiano Goblin, aquí dejando su particular impronta de instrumentos medievales e irreconocibles, de melodías aquí más destinadas al desconcierto del espectador desconcertar que al fin más abierto de inquietarlo, algo que lograron en Suspiria al forjar una de las más brillantes bandas sonoras del cine italiano. Así, la música de los Goblin ponen ambientes y contrapuntos a imágenes grotescas de asesinato, objetos fetichistas que en cierto modo ya adelantan la fascinación por la brujería que Argento desplegará en sus siguientes películas. Antes de las mismas, "Rojo Oscuro" es un fascinante giallo que requiere la transigencia de un iniciado y únicamente el disfrute de aquellos que ya conocían al que firma y son conscientes de lo que firma últimamente. Una película que puede ser tomada sin muchos reparos como arquetípica del giallo, el ejemplo por excelencia de este cine de callejones oscuros, asesinos de guantes de cuero y métodos poco elegantes, sangre a borbotones de bellas estudiantes y pequeños misterios que no desafían la mente del espectador, sino que sólo aspiran a cerrarse sorpresivamente. En definitiva, profundamente giallo.
En 1915, el director de la Gaumont, Louis Feuillade, especializado como estaba en los seriales del mítico personaje Fantomas, decide crear una de las obras cinematográficas más ambiciosas de su entonces corta historia: un serial de intriga de casi 7 horas divididas en 10 capítulos de duraciones variables. “Les Vampires”, que así se llamaba, narraba la investigación de Philippe Guérande, un reportero tras la pista de una sociedad secreta de ladrones y maestros del disfraz, gobernados por Los Cuatro Grandes Vampiros, pero liderados por la carismática Irma Vep. El serial bebe directamente de los convulsos tiempos de la Primera Guerra Mundial y sus Mata Haris y contiene algunas de las imágenes de lo más interesantes, muy deudoras del surrealismo contemporáneo y cargadas de una sugerencia y sensualidad poco vistas en su género, tambien catapultó a la fama a la actriz Musidora que interpretaba a la voluptuosa Irma. Es cierto que el serial es bastante irregular y su trama es tan complicada de seguir a lo largo de sus 400 minutos que resulta pesado incluso para el más experimentado cinéfilo, sin embargo, el sacrificio merece la pena con tal de ver una de las joyas más imprescindibles del poco conocido mundo de los seriales cinematográficos.
El remake no es una tendencia moderna, ni mucho menos, pero si es una tendencia en alza debido a las múltiples ventajas empresariales que tiene: el espectador se enfrenta a algo ya conocido, cuya publicidad viene hecha de antemano y no es necesario buscar una idea original entre pilas de guiones, por no hablar de la atención que atrae de la crítica, siempre dispuesta a innumerables prejuicios y a evitar por todos los medios que se ponga la mano encima a los clásicos. El caso es que la estrategia de rehacer lo que ya funcionaba antes da buenos resultados, y es algo a lo que hay que ir acostumbrándose. Gus Van Sant, trató en Psycho (1998) de emular la cinta de Hitchcock plano a plano, pero consciente de que las sorpresas de la cinta ya eran harto conocidas, crea una película totalmente nueva: sabemos que destino le espera a Marion Crane desde el mismo póster de la película, nos conocemos, de memoria, fotograma a fotograma, la escena de la ducha; así toda la atención se centra en que llegue ese momento, mientras que en la original, nos pillaba por sorpresa. Más recientemente, un director del prestigio Michael Haneke, optaba por una idea que nos confundía a todos: volvería a rodar, en inglés y con actores americanos, su consagrada película Funny Games (1997), de nuevo, plano a plano y justo 10 años después. Los que desconocen como funciona un rodaje demuestran su ignorancia atribuyéndole a esta decisión la tendencia a la comodidad de un director vanagloriado, sin embargo hay pocas cosas más complicadas que rodar una película plano a plano, y el hecho de que se haga de una obra propia, le añade un matiz nuevo. Piensen en las majas de Goya y luego recuerden la cinta original de Haneke, una película que se burlaba de nuestra tendencia al sadismo y al morbo, ahora el director alemán nos ofrece exactamente lo mismo, otra vez, como enorme chiste a nuestra costa, que parece que no aprendemos.
Irma Vep parte da un paso más allá de Van Sant y Haneke: en lugar de calcar plano a plano la inenarrable historia de “Les Vampires”, decide contar la historia de un director cuya intención es exactamente esa. Asi pues, asistimos a una mezcla entre making of e historia de ficción paralela al rodaje de una cinta que, no sólo tiene la desfachatez de querer igualarse al serial de Feuillade, si no que pretende hacerlo sin adaptarla en ningún sentido. A partir de esa curiosa premisa, Olivier Assayas construye una de las reflexiones más crudas sobre el cine dentro del cine, escupiendo a la propia industria de su país desde distintos ángulos. El gran acierto de Irma Vep es reirse a distintos niveles con detalles que pasan desapercibidos para el espectador menos documentado: así pues, el director encargado de llevar a cabo tamaña odisea está interpretado por todo un símbolo del cine francés, Jean-Pierre Léaud, aquel niño de Los Cuatrocientos Golpes y el protagonista de Domicilio Conyugal (François Truffaut, 1959 y 1970 respectivamente), mientras que el papel protagonista pasa de la muy francesa Musidora a la hongkonesa Maggie Cheung, interpretándose a sí misma. El mejor cruce entre estos personajes es el momento en el que descubrimos porqué el director le ofrece el papel protagonista a una mujer asiática, y, para ello, nos ejemplifica el talento de la actriz con escenas de Trío Heróico (Johnny To, 1993), comparando conscientemente los seriales franceses de principios de siglo con el cine hongkonés a rebufo de John Woo. La crítica se dispara de lo sutil a la brocha gorda cuando un reportero entra en acción para decir, sin pelos en la lengua, y desde una película francesa, que el cine francés es ombliguista y carece en su mayoría del mínimo valor más allá del onanismo de sus autores.
Sin embargo, quedarse en estas lindes hubiese sido demasiado sencillo y Assayas da un segundo paso adelante cuando produce dos momentos de catarsis plena: Maggie Cheung, tras un duro día de un rodaje que parece interminable, descansa en la habitación de su hotel para, misteriosamente, ser poseída por su personaje en la ficción, y caminar bajo la lluvia por los tejados, ejerciendo de misteriosa y exótica ladrona con su traje de cuero; esto es, la intérprete alcanza su mayor éxtasis cuando se confunde a si misma con su personaje, perdiendo toda identidad propia. El segundo momento de respiro es el angustioso final de la cinta, donde presenciamos la verdadera película que se podría construir a partir de “Les Vampires” sin copiar las fórmulas que llevan vigentes un siglo: simplemente celuloide rayado, estropeado y malgastado por la torpe mano de un niño que pinta encima. El sinsentido de rehacer lo que no está roto cobra un nuevo nivel cuando, precisamente, nos dedicamos a destruir lo conocido para caer en un mundo totalmente inexplorado. Y es que el cine depende demasiado de si mismo y sus predecesores y parece anclado a no hallar nuevas fórmulas de exploración, condenado, maldito para toda la eternidad a que cada película beba de otra en una constante pero inútil renovación. El cine se vampiriza.
El poeta de lo inverosímil, Jonathan Glazer ('Sexy Beast', 'Birth'), vuelve a la palestra, no exento de polémica, con 'Under the skin' , un cuento onírico y sensual que se exhibió en el pasado Festival de Venecia, donde recibió aplausos y abucheos a partes iguales; y sin embargo, el Festival de Sitges lo acoge con magníficas críticas. El tercer largometraje del cineasta se inspira en la ciencia ficción especulativa de Michel Faber, que, incrementando la ambición abstracta del escritor, empuja al espectador a realizar lecturas fuera de marco/pantalla. Creando experiencias sensoriales violentas, Glazer juega con el sonido y la imagen para dar cuenta de un misterioso erotismo siniestro, en el que la seducción visual y auditiva se traducen como el poder inconsciente de la pulsión de muerte . Una inexpresiva y discreta Scarlett Johansson, que encarna un rol explosivo de antiheroína alienígena, despliega, en su primer desnudo íntegro, los encantos de otro mundo. Cuan 'mantis religiosa', su interés por los hombres es meramente culinario y, simplemente, los utiliza para abastecer a un mercado interplanetario de carne humana. La cinta, con dejes gigerianos, es un viaje alegórico: sublime, hermoso, triste y fascinante, que transmite lo que significa ser humano.
Si en la novela del autor escocés (de adopción), la chica de “pechos enormes y perfectos” es bautizada con el nombre de Isserley (una forma extraña en el cuerpo de una mujer bella), el realizador y guionista londinense prefiere llamarla Laura. Aunque libre de las cicatrices de su predecesora literaria, padece los mismos síntomas: malestar físico, vacío existencial y desarraigo del amor en la cultura pop (como diría Ryu Murakami). A través del extrañamiento de un cuerpo que no le pertenece, se precipita hacia un abismo boscoso que oscila entre la fantasía y la realidad, una peregrinación a ninguna parte que resulta tan sugestiva como las elipsis de la historia . En principio, totalmente distante con respecto a sus víctimas, parece despertar cuando seduce a los hombres jóvenes y fuertes que suben a su furgoneta; sin embargo, según avanza la trama y comienza a sentir empatía por una especie que no es la suya, se repliega en un estado cuasi catatónico para convertirse en una criatura vulnerable y frágil.
Mediante el aderezo audiovisual (como ya hizo Kubrick), Glazer, frente a Faber, apuesta por las sutilezas y las metáforas. Ahora no hay tiempo para los autoestopistas, sino que serán los transeúntes las presas de esta 'depredadora sexual'. Elegidos de manera aleatoria, los varones musculosos son arrastrados, con ímpetu desesperante, hacia la nada al compás de una danza macabra. En la novela los hombres que captura Isserley en las Tierras Altas de Escocia son alterados químicamente, además de castrados, antes de convertirse en sabrosos 'voddssin': comida, de primera, para el disfrute de extraterrestres un tanto snobs. Pese a las diferencias, el film, al igual que la obra literaria, pone de relieve que la ciencia ficción puede funcionar como sátira social. De esta manera, Glazer, que entiende el cine como arte y no como mero entretenimiento, continúa la senda marcada para reflexionar sobre las clases sociales, la humanidad y, sobre todo, la identidad sexual .
A partir de un inesperado giro hacia la compasión, que comienza con el encuentro de una suerte de 'hombre elefante', empieza a sentirse cada vez más humana y aterrorizada como mujer. Ahora el espectador se pregunta qué oculta Laura bajo la piel. Cada vez menos 'femme fatale', se acentúan los rasgos de puerilidad en su comprensión sobre los terrestres (ya que esta alien sexy desconoce el sexo más de lo que nos había dado a entender en un primer momento). En su iniciación sexual aflora el desencanto para, posteriormente, sufrir la degradación total. Atrás queda el peligroso coqueteo intergaláctico comandado por Laura.
El inquietante score, cortesía de Mica Levi, incrementa con creces el desconcierto y el terror más visceral, que, a base de sonidos procesados digitalmente, retumba como cuernos de guerra y rugidos amenazantes en concordancia con el tono de ensoñación del film . En manos de otro director, todo se habría derrumbado en pedazos, pero el artífice de videoclips (Massive Attack, Radiohead o Blur) maneja a la perfección, con toque indie, temas como la cosificación, la sexualidad o la muerte. En cuanto a la intencionalidad moral, 'Under the skin' encaja como un guante con una corriente literaria contemporánea que se preocupa por las relaciones entre los humanos y los animales, caso 'La vida de los animales' de JM Coetzee, 'Marranadas' ('Pig tales: a novel of lust and transformation') de Marie Darrieussecq, e incluso, 'Liberación animal' de Peter Singer.
La represión sexual, la dominación masculina, la guerra o la 'caza de brujas' en la era McCarthy, son los temas predilectos de la norteamericana Nadine Boughton , psicóloga de formación, profesora de fotografía y escritura creativa, que utiliza el fotocollage para arrojar luz sobre los mecanismos de la psique en el sexismo contemporáneo, y cómo la cultura, en general, es un reflejo de nuestros pensamientos y deseos más profundos. La neoyorquina propone un marco artístico para adentrarse en el estudio de la desigualdad social del sexo.
Como fuente de inspiración, parte del arte pop y de las manifestaciones populares, los magazines de aventura para hombres de los años 50 y principios de los 60, y las revistas femeninas, de la misma época, que a su vez emplea como material de base con la intención de crear nuevas narrativas. Un arte que rescata las viejas formas de la célebre obra de Richard Hamilton, 'Just what is it that makes today's homes so different, so appealing?' ('¿Pero qué es lo que hace a los hogares de hoy en día tan diferentes, tan atractivos?'), convertida en manifiesto del pop británico y de la cultura de masas. “Reúno fragmentos de la memoria, escaneo ilustraciones vintage y compongo fotomontajes digitales que sirven para desvelar temores primitivos”, comenta la autora del serial 'True adventures in better homes' ('Verdaderas aventuras en los mejores hogares'), haciendo hincapié en que su auténtico interés reside en “la imagen de la mujer, la ilusión de la seguridad, la comida como objeto de deseo, el confort o valores nacionales”.
Su obra es una colisión entre dos mundos, el doméstico, un espacio que incluso pasada la mitad del siglo XX seguía siendo de dominio femenino, y el bélico, un lugar histórico para el hombre. Los cuentos espeluznantes de viajes exóticos, hazañas audaces o los conflictos con animales salvajes, pertenecientes al último género de ficción pulp, coloquialmente conocidos como 'armpit slicks' o 'men's sweat magazines' ('el sudor de los hombres'), que giraron en torno al androcentrismo, se postulan, en el trabajo de Boughton, desde una visión crepuscular del 'macho pulp'. Cercanos a la estética 'camp' por sus connotaciones grotescas y xenófobas. Bellas damiselas, con curvas de vértigo, próximas a la ilusión de la pin-up, aparecían desesperadas y acaparando portadas en escenarios peligrosos, amenazadas y torturadas por los señores del mal.
Primero los nazis, luego los comunistas. Los villanos, capaces de empuñar las barbaridades más atroces, se enfrentaban en luchas encarnizadas con ciudadanos de a pie elevados a héroes 'yanquis'. La pregunta latente de la artista, si la cosificación sexual de la mujer que fue fundamental para la construcción de un concepto de masculinidad centrado en una agresiva heterosexualidad, sigue vigente en la actualidad. “La nostalgia es un hilo conductor con el que vislumbrar la oscuridad que habita en los placeres de la vida moderna”, afirma la fotógrafa.
La tensión de los opuestos, los patios soleados y las casas impolutas, decoradas conforme a patrones de interiorismo y diseño dictados por el 'american way life', contrastan para fundirse con la fauna de una jungla hostil. “En este contexto surge como un iceberg el subconsciente colectivo que se esconde tras la apariencia”, apostilla Boughton, mientras acentúa “la relevancia de la metáfora, en cuanto lenguaje simbólico, para la evolución de los estudios de género”, concluyendo que “la mejor manera de conocer el papel que hemos desempeñado las mujeres en la historia es a través del arte”.
Traspasar el límite de lo aceptable, del tabú y del buen gusto no es un problema para Shintaro Kago (Tokio, 1969), que apuesta por las desviaciones sexuales como eje temático de una obra en la que el morbo, la degradación, el horror y el más pervertido sentido del humor conforman su desbordante universo febril. El nipón ha permanecido entre bambalinas e inédito hasta que comenzó a prodigarse en la red, y, elevado a mangaka de culto por muchos seguidores, consiguió su primera exposición europea en Amsterdam (2008). Editores de Tebeos , haciéndose eco del éxito del que goza Kago en determinados sectores underground, catapultó sin tapujos una edición en castellano de 'Cuaderno de masacres'. Este compendio de trece relatos macabros, contextualizados en el antiguo Edo, combina los excesos y la originalidad con elementos eróticos, violentos, escatológicos y necrófilos. Aunque se puede leer de manera independiente, no son series aisladas, ya que los personajes de las distintas historias acaban confluyendo a lo largo de una pieza que en conjunto resulta coral.
Perteneciente al género artístico ero-guro, el nipón mezcla de manera bizarra lo desagradable y lo erótico-grotesco con viñetas inteligentes y un estilo extravagante, que, a pesar de estar en la misma línea gráfica de Shuehiro Maruo o Hideshi Hino, lo convierte en único. El autor de 'Funeral' juega con el lector, rompe con la cuarta pared para interpelarlo directamente y que tome así conciencia de su voyeurismo. Este estilo revolucionario, que pone énfasis en la decadencia y la corrupción sexual, surgió en 1936 (aunque los antecedentes se remontan a artistas del Ukiyo-e que grabaron en madera mutilaciones y crucifixiones) a raíz de un caso real protagonizado por la geisha Sada Abe, que tras estrangular a su amante, le amputó el pene y deambuló durante días por Osaka con el miembro envuelto en papel de periódico hasta que las autoridades la detuvieron. El suceso conmocionó tanto a la sociedad de la época que terminó adquiriendo tintes míticos e irrumpió en la literatura a modo de cuento con múltiples versiones. También influyó en el manga, el teatro o el cine ('El imperio de los sentidos' de Nagisa Oshima).
Pero, en el séptimo arte, el ero-guro se muestra más explícito en cineastas como Kazuo Komizu. Con 'Guts of a virgin' (1986), donde un grupo de actrices porno son violadas y brutalmente asesinadas por una criatura que habita en el bosque, sentó las bases de toda una saga sangrienta, caso de la extrema 'Guts of a beauty' ('Bijo no harawata') o 'Rusted body: Guts of a virgin' ('Gômon kifujin'). Este género, prohibido en muchos países (casi desaparecido en la gran pantalla, en Japón ha quedado recluido al manga y el anime), cosecha una notoriedad incontestable. El historietista Shintaro Kago, que recrea escenas tan hilarantes como crueles y se supera a sí mismo en cada libro, es ya un 'bestseller' en su patria gracias a títulos como 'Shine, Greater East Asia Co-Prosperity Shere', 'Atrocious comedy in front of the station', 'Everything is peaceful', 'Notebook of muder and killing' o 'Dance! Kremlin Palace'. En cuanto al mercado nacional, Editores de Tebeos ha publicado 'Cuaderno de masacres', 'Reproducción por mitosis', 'Novia ante la estación', 'Fraction' y el angustioso 'Funeral'.
"Brigadoon es también el nombre con que bautizamos a un recién nacido muy particular, a quien deseamos larga vida. Un complejo en los jardines de El Retiro, con salas de vídeo, librería, bar, exposiciones, etc." Así se describía en el catálogo del Festival de Sitges de 1986 la nueva sección que se inauguraba ese año a cargo de José Antonio Atanes. En Sitges 2016, Brigadoon (en referencia a la extraordinaria película de Vincente Minnelli de 1954, que podrá además recordarse y verse este año dentro de la programación) celebra su 30 aniversario. Una sala interior con entrada gratuita ubicada en el recinto de L'Escorxador donde se puede gozar de una programación fantástica alternativa. Un espacio que ha ido creciendo a lo largo de los años y por el que han pasado nombres tan importantes para el Fest ival como el propio Ángel Sala, Hernán Migoya, Juanma Pastor o Diego López, este último responsable del Brigadoon desde el año 2010.
La actriz Terele Pávez, nacida en Bilbao en 1939, recibirá este año el Premio Nosferatu de la sección Brigadoon del Festival de Sitges, donde se proyectarán algunos títulos de su filmografía, como 99.9 de Agustí Villaronga. Actriz de tradición familiar, con cerca de cien títulos en su filmografía entre sus papeles en TV y cine, consiguió su primer papel en la película Novio a la vista (1954) de Luis García Berlanga, gracias a la mediación de Jesús Franco, amigo de la familia. Terele Pávez participó en títulos tan importantes para el cine español como Los santos inocentes (Mario Camus, 1984) o El aire de un crimen (Antonio Isasi-Isasmendi, 1988); el aficionado al fantástico la recordará por su vinculación con el director Álex de la Iglesia en trabajos como El día de la bestia (1995), La comunidad (2000), 800 balas (2002) o Balada triste de trompeta (2010), culminando en 2013 con su extraordinaria actuación en Las brujas de Zugarramurdi.
En Brigadoon también se rendirá homenaje al realizador, novelista, documentalista y publicista italiano Corrado Farina, fallecido el pasado mes de julio, director de dos films de culto dentro del cine de género proveniente de Italia de los años 70. Baba Yaga (1973), la segunda película de Farina basada en una de las más populares series de cómic adulto italiano (Valentina), podrá disfrutarse en Brigadoon. Y cómo no, el Festival de Sitges no podía olvidarse de la actriz catalana Emma Cohen, fallecida también este mes de julio. Nacida en Barcelona en 1946, en Brigadoon podrán verse dos de sus películas más aclamadas: Al otro lado del espejo (Jesús Franco, 1973) y ¡Bruja más que bruja! (Fernando Fernán Góme z, 1977). Estos dos tributos se unen al ya anunciado el pasado mes de julio en rueda de prensa: el homenaje al realizador Joan Bosch, que murió el pasado mes de noviembre, con la proyección de sus films A sangre fría o La muerte llama a las diez.
Entre los estrenos que este año presenta la programación de Brigadoon, destaca Ibiza Undead del director británico Andy Edwards, en el que un grupo de veraneantes en la isla de Ibiza se encontrarán con unos anfitriones de lo más ‘interesantes’: zombis. Humor y gore están asegurados. También resalta otro estreno: la nueva película del director italiano Luigi Cozzi (Premio Nosferatu 2012) que estará en Sitges para presentar Blood on Méliès' Moon,un thriller de ciencia ficción que cuenta con la presencia de Dario Argento y Lamberto Bava interpretándose a sí mismos. Junto a la película podrá verse el documental FantastiCozzi, dirigido por Felipe M. Guerra y centrado en la figura del realizador. Siguiendo con el género documental, dos son los tí tulos que también podrán verse en Brigadoon: el documental SPUTNIK!, dirigido por Asier Abio, que analiza, a través de directores y festivales, la situación del cine fantástico independiente y de bajo presupuesto realizado en Catalunya, y The Unauthorized Hagiography of Vincent Price, documental dirigido por Michael Lane, una biografía no autorizada del icono del cine de género, Vincent Price, un curioso mediometraje narrado con la propia voz y los personajes del llamado Maestro de lo Macabro. Tres documentales más a sumar a los ya adelantados por el Festival: Joe D'Amato Totally Uncut: the Horror Experience, dirigido por Manlio Gomarasca y Davide Pulici; el documental Me Me Lai Bites Back: Resurrection of the Cannibal Queen, dirigido por Naomi Holwill, y Satan’s Blood. Memorias de Escalofrío, de Luis Esquinas, centrado en la película Escalofrío (Carlos Puerto, 1978).
Además de los largometrajes de ficción ya desvelados de la programación del Brigadoon de este año como son Peelers, de Sevé Schelenz, o Therapy, found footage dirigido por Nathan Ambrosioni, otro estreno en este espacio será el film catalán de ficción y muertos vivientes, Infección Zombi, opera prima del director Jacint Espuny producida por Kutrefacto Films: una historia post-apocalíptica de zombis con acción y gore hasta hartar.
Para finalizar, como ya es habitual, la tradicional Sitges Zombie Walk tendrá lugar el primer sábado del Festival, que será el 8 de octubre y que volverá a llenar la ciudad de zombis llegados de todas partes.
Voyage of Time, el primer documental de Terrence Malick, que podrá verse en una sesión especial en Sitges 2016, es probablemente el proyecto más ambicioso del director norteamericano. Altamente experimental, Voyage of Time es un intento, a modo de film collage, de ilustrar la historia del universo con poderosas imágenes y con las voces de Cate Blanchett y Brad Pitt como narradores. En sesión especial también podrá verse Salt and Fire, el último film del director alemán Werner Herzog. En este thriller Michael Shannon y Gael García Bernal dan vida a un científico y a un ejecutivo de una gran compañía, respectivamente, que deberán limar sus diferencias para evitar un posible desastre provocado por la erupción de un volcán.
Más títulos potentes, además de regresos destacados, se siguen sumando a la Sección Oficial de este Sitges 2016. De Francia proviene uno de los estrenos más importantes: en Grave (Raw) de Julia Ducournau, una de las películas de horror más sorprendentes de la temporada, la adolescente Justine deberá averiguar cuál es su verdadera naturaleza. Sin irnos de Francia, Sitges 2016 contará con la première mundial de la epopeya de ciencia-ficción Arès, de Jean-Patrick Benes, en la que se plantea un París distópico, con el país galo sumido en la pobreza, en el que la única salida para la población son las violentas peleas televisadas en las que todo está permitido. Sin dejar la ciencia-ficción, el director Matt Johnson (quien presentó The Dirties en Sitges 2013) regresa con Operation Avalanche, en la que cuatro agentes de incógnito de la CIA se infiltran en la NASA para destapar una de las mayores conspiraciones de la historia de América. Videojuegos y ciencia-ficción también se dan la mano en la première española de la salvaje Hardcore Henry, de Ilya Naishuller, film ruso de acción rodado en primera persona que recibió el Premio del Público en la sección Midnight Madness del Festival de Toronto. Siguiendo en Europa, desde Bélgica llegará a la sección competitiva de Sitges 2016 Mon ange del director Harry Cleven, romance en clave fantástica entre un chico invisible y una joven ciega. Una de las últimas locuras de Kevin Smith también estará presente en una sesión especial. La comedia fantástica Yoga Hosers, con Johnny Depp, promete delirio, humor y monstruos a partes iguales.
Sitges 2016 sigue con su afán de apoyar el cine fantástico catalán. Después de que el Festival anunciara Proyecto Lázaro, film futurista de Mateo Gil, Pet de Carles Torrens, y la película inaugural Inside de Miguel Ángel Vivas, tres son las producciones autóctonas que se suman a estos títulos. En una sesión especial podrá verse Mine, co-producción entre España, Italia y EEUU, dirigida por Fabio Guaglione y Fabio Resinaro. En este thriller, un soldado (Armie Hammer) se ve expuesto, tanto física como psicológicamente, a las inclemencias del desierto, después de una misión fallida. Otro film que podrá verse dentro de la Sección Oficial será El ataúd de cristal de Haritz Zubillaga. En el film, Paola Bontempi interpreta a Amanda, una actriz que se verá atrapada dentro de una limusina a merced de una voz metalizada que le irá ordenando lo que deberá hacer. En una sesión especial, Sitges 2016 contará también con el nuevo y esperado trabajo del director catalán J. A. Bayona, Un monstruo viene a verme, en la que Connor, de doce años, deberá superar la enfermedad de su madre con la ayuda de un monstruo.
Y en sesión especial también, el Festival de Sitges proyectará la nueva película de Nacho Vigalondo, Colossal, protagonizada por Anne Hathaway, que relata la extraña conexión entre una joven con problemas psicológicos y el ataque de un monstruo que está aterrorizando la ciudad de Seúl.
Al ya anunciado film de Emiliano Rocha Tenemos la carne, incluido en el sello Blood Window, se añaden dos nuevas producciones provenientes ambas de México. En la Sección Oficial a competición del Festival se proyectará el western/thriller Desierto de Jonás Cuarón, protagonizado por Gael García Bernal y Jeffrey Dean Morgan. Y también en Sección Oficial pero en una sesión especial podrá verse la première mundial de Las tinieblas de Daniel Castro Zimbrón, en la que un padre mantiene a sus hijos encerrados en el sótano de una cabaña en mitad del bosque, con la excusa de que una bestia acecha en los alrededores.
Y de Latinoamérica al otro lado del mundo, a Asia. A las ya anunciadas superproducciones como Train to Busan, The Handmaiden o The Wailing entre otras, en la Sección Oficial también se contará con dos de los films más esperados provenientes de Japón. El kaiju eiga japonés, o cine de monstruos, estará presente con la última producción protagonizada por su monstruo más querido: Shin Godzilla (Hideaki Anno y Shinji Higuchi), que se ha estrenado hace apenas un mes en el país nipón con éxito total de taquilla, competirá en Sitges 2016. Como también lo hará Museum de Keishi Ohtomo. Basada en un famoso manga publicado entre 2013 y 2014 en Japón, la película se centra en la investigación de una serie de grotescos asesinatos que siempre tienen lugar en días lluviosos.
